Владимир Холстинин является бессменным гитаристом известной московской группы "Ария" с самого дня ее основания. Не так давно "Ария" отмечала юбилей - осенью коллективу исполнилось 15 лет. К этой знаменательной дате мы и решили приурочить свое интервью.

 

"Арии" буквально на днях исполнилось 15 лет. Поэтому, наверное будет уместно сначала поговорить о группе вообще. Кстати, как оно - ощущать себя дедушками отечественного "хэви"? "Ария" на данный момент - практически единственная команда из множества возникших в середине-конце 80-ых "тяжелых" групп, остающаяся в фаворе у публики, регулярно выпускающая пластинки и т.д.

Не знаю даже... Мы себя "дедушками" не чувствуем. Есть такая расхожая фраза о том, что человеку столько лет, на сколько он себя ощущает. Вот мы и чувствуем себя, как 15 лет назад, как будто только начали. Получается своеобразная машина времени, что ли... Что же касается нашего единоличного процветания, то особого удовлетворения мы по этому поводу не испытываем - хочется, чтобы и конкуренция была, и хит-парады специализированные, по тяжелой музыке. А то для массового слушателя получается, что и групп тяжелых у нас вроде как больше нет, хотя это, конечно, не так.

А как получилось, что из "Поющих Сердец" выросло... ну, вот то, что выросло? Это была "революция снизу" или Векштейн (Виктор Векштейн - худ. руководитель ВИА "Поющие Сердца", впоследствии директор "Арии", вплоть до 1989 г. - прим. GS) всю жизнь мечтал быть директором у кожисто-проклепанных парней?

На самом деле, это не совсем так: никто из нас в ВИА "Поющие Сердца" не работал. Просто у "Поющих Сердец" в 1982-85 гг. (сам ВИА просуществовал до 1989 г.- прим. GS) был достаточно сложный период - часто менялся состав и так далее. Кстати, в этот период времени через коллектив прошло много известных сейчас людей, например - Николай Носков. И, видимо, Виктор Векштейн уже подумывал о создании нового или, по крайней мере, альтернативного проекта. Людей, претендовавших на это место, было немало... Я думаю, нам с Аликом Грановским (первый басист "Арии"- прим. GS) просто повезло в том, что мы смогли чем-то убедить Векштейна, что "Ария" - это то, что ему сейчас нужно и он нас пригласил к себе в Москонцерт. В те времена, чтобы более или менее свободно работать на профессиональной основе, это было необходимым условием - официально трудиться в какой либо филармонической организации

Скажи, а как ты считаешь - время, проведенное под "крышей" советской концертной организации, было потрачено не напрасно? Насколько я знаю, это - неплохая профессиональная школа...

Да, насчет школы - это верно, в месяц приходилось играть, в среднем, концертов по тридцать (!!! - GS), обычно по 2 концерта в день. Поездка, скажем на неделю, гастролями в общем-то не считалась - так, халтура. Вот 2-3 недели, месяц - это уже тур. Такой график работы был совершенно необходимым условием существования, поскольку зарплата у музыканта в то время в Москонцерте была 11 рублей за выступление и, чтобы не только прокормить семью, но и иметь возможность купить новый инструмент или что-то из аппарата, сменить струны и т.д., нужно было отрабатывать уж никак не меньше 20 концертов в месяц. Ну и в смысле профессиональной школы - это была великолепная практика. Ведь приходилось играть не только много, но и в разных городах, на абсолютно разных площадках, с разным качеством подзвучки... В результате люди начинают что называется "с закрытыми глазами" ориентироваться на любой сцене, порой приходилось координировать свою игру только визуально, по тому, как у барабанщика движется рука или нога... Так что полторы тысячи концертов, отыгранные под эгидой Москонцерта напрасными никак не назовешь.

Интересно было бы узнать, как обычно проистекает сам творческий процесс - кто является генератором идей в группе, как композиции аранжируются - кем-то единолично или всей командой?

Какой-то определенной системы нет, иногда песня может быть написана единолично, иногда - вдвоем, а иногда и всей командой. То же самое касается и аранжировок: бывает что непосредственно автор идеи и полностью делает аранжировку, а бывает, что всем коллективом (или его частью) бьемся.

Несколько некорректный, наверное, вопрос - ну да ладно... Не секрет, что любому творческому человеку, будь то музыкант, художник или скульптор, присущ (по сравнению с обычными, "среднестатистическими" людьми) достаточно сильно развитый эгоцентризм. Приходится ли в процессе работы в группе иногда прятать свое самолюбие куда-нибудь подальше ради достижения хорошего коллективного результата? И стоит ли это делать, если на сто процентов уверен в своей правоте, а остальные члены коллектива тебя не поддерживают?

Безусловно, стоит. Если в группе - люди творческие, то они все будут генерировать идеи. Поэтому, чтобы все работали на общую цель, совершенно необходимо научиться с ними работать (впрочем, как и им с тобой). Если в спорных ситуациях каждый будет стоять "до последнего" на своем, то это, скорее всего, в конце концов просто приведет к распаду группы. Бывают, правда и другие варианты - когда коллектив образован вокруг явного лидера, но это не про нас, "Ария" все-таки "классическая" группа, где все участники равноправны и самоценны. А вот стоит ли стоять на своем, если на сто процентов уверен, что ты прав... Бывали такие случаи, да и жалеть потом приходилось... Трудно ответить на этот вопрос. Вроде бы для дела нужно стоять на своем, а для нормальной обстановки в коллективе - лучше найти компромисс. Нет, это болото... все равно что о смысле жизни задумываться. Наверное, я сам до сих пор не нашел ответов на эти вопросы.

Теперь поближе к делам гитарным. Я заметил (да и не только я, наверное), что в последнее время ты не используешь инструменты с тремоло-системой Floyd Rose. Почему?

Действительно, в течении нескольких лет я с удовольствием использовал Floyd Rose, затем опять перешел на обычную "стратовскую" машинку. Причин, наверное, несколько. Во-первых, Fender наконец стал использовать на своих инструментах тремоло, которое крепится на двух упорных винтах, а не на шести, как на vintage-моделях. То есть их современная "машинка" работает практически также, как Floyd Rose. Во-вторых, из-за того, что такое тремоло весит гораздо меньше, чем Floyd Rose, гитара меньше расстраивается. Например, если настраиваешь гитару с Floyd'ом, несколько наклонясь при этом вперед и вниз (что часто бывает, когда строишь по тюнеру), то закончив настройку и приняв обычное положение, можно обнаружить, что строй "поехал". Floyd Rose имеет большую массу и в данном случае просто несколько поднимает струны по отношению к плоскости деки во время настройки. Когда же положение корпуса изменяется, все вроде бы встает на свои места, но оказывается, что строй гитары уже не тот. В-третьих, Floyd Rose - пожалуй, самый "тонкий" из существующих инструментов для работы с тремоло и далеко не всем и не всегда нужны все те возможности, которые он дает гитаристу. Поразмыслив и проведя некоторый анализ и сравнение плюсов и минусов применительно к своей манере игры, я все-таки решил отказаться от этого типа "качалки". Но самое главное - это проблема замены струн. Я, честно говоря, несколько подустал возиться с откусыванием струн, да еще постоянно приходилось таскать с собой 2 комплекта ключей для машинки (второй - про запас, если первый потеряется, что совсем не редкость). Да и сам процесс замены струн на Floyd'е занимает достаточно долгое время. Если, скажем, на концерте рвется струна, то на инструменте с strat'овским тремоло вполне можно успеть поменять ее за пол-куплета. С Floyd Rose же этот номер не проходит и нужно сразу брать другую гитару.

А какие гитары вообще сейчас у тебя "на вооружении" и почему именно эти, а не другие?

Два основных инструмента, которые у меня есть практически всегда - это Fender Stratocaster и Gibson Les Paul. Хотя не обошлось без душевных метаний: были периоды, когда я отказывался от одного инструмента в пользу другого, потом наоборот... но, в конце концов, решил накопить денег, чтобы иметь и то и другое всегда под рукой. Помимо этого, у меня сейчас есть Hamer Standard, акустика Martin (на ней я обычно записываю акустические партии в студии) и недавно сделанная на заказ гитара Russtone, которая представляет собой "доску", но с пьезодатчиком Schaller, прототипом которой послужил Gibson Chet Atkins. Последний инструмент я использую на концертах в качестве акустической гитары, так как с полноразмерным drednought'ом Martin на сцене бывает сложновато в техническом плане: большая дека акустической гитары очень склонна "заводиться" по любому поводу. Что касается Hamer Standard, то форма типа exployer мне всегда нравилась, да к тому же она имеет, на мой взгляд, определенные преимущества - меньше помех для правой руки, особенно когда гитара висит низко. Так что на концертах я использую этот инструмент все чаще. А вообще-то иметь инструмент от Hamer было всегда моей мечтой. Дело в том, что я давнишний, с начала 80-х годов, поклонник Judas Priest и особенно их гитариста Гленна Типтона (Glenn Tipton). В моих глазах Типтон выгодно отличался от многих гитаристов того времени и, в частности, своим инструментом, а это был как раз Hamer. Я даже предпринял несколько попыток найти в магазинах хотя бы копию, сделанную в Корее или Японии, но безрезультатно. Уже потом выяснилось, что из этой затеи ничего и не получилось бы - для таких людей, как Типтон, Hamer изготавливает инструменты в эксклюзивном варианте, уважая желание классных музыкантов иметь действительно оригинальные, "свои" инструменты. Единственный человек, кто за всю почти тридцатилетнюю историю фирмы согласился на клонирование своей модели, был Стив Стивенс (Steve Stevens). Однако, в 1998 г. мне удалось познакомиться с менеджером фирмы Hamer - Грегом Орредом (Greg Orred) на выставке в Москве, и он затем лично отобрал для меня инструмент. Так что примерно через полгода после нашего знакомства моя давняя мечта все-таки сбылась.

Кстати, а как ты вообще относишься к мастеровым инструментам. Насколько я знаю, у наших людей, если встает вопрос о выборе между Ibanez JS и custom-инструментом, выбор в большинстве случаев будет в пользу первого, а к мастеровому инструменту отношение вполне определенное - "самопал"...

Я думаю, что это все еще отголоски советских времен: тогда подавляющему числу музыкантов ни американские, ни японские инструменты были недоступны - достать их было крайне сложно, да и стоили они столько, что очень мало кто мог себе такой инструмент позволить. А покупать "Урал" или хотя бы какую-нибудь "Музиму" или "Этерну" тоже не всем хотелось... Соответственно, мастера, к которым обращались для того, чтобы сделать заказной инструмент, тоже были поставлены в довольно жесткие рамки - сделать не очень дорого, но хорошо. А подобные компромиссы всегда чреваты... Плюс к этому, практически невозможно было достать качественные комплектующие - датчики, фурнитуру, что тоже повышению качества работы не способствовало. Сейчас, слава богу, ситуация изменилась, хотя напороться на "самопальную" работу по-прежнему можно. Просто, если уж решил себе заказывать мастеровой инструмент, нужно в гитарах хотя бы немножко самому разбираться - тогда и результат получится приличный. Мне, например, совершенно не стыдно играть на инструменте, который сделали для меня на Russtone - доводилось до этого играть и на американском Gibson Chet Atkins, и на корейском, и могу сказать, что Russtone меня вполне устраивает по качеству. Да и другие мастеровые инструменты у меня тоже были. Например, весь альбом "Игра с огнем" записан на гитаре, сделанной Александром Патиевичем из Львова.

Что насчет датчиков? Ты предпочитаешь иметь разные звукосниматели на разных инструментах или привержен одному (или более или менее похожему) набору?

Я за свою жизнь перепробовал много разных звукоснимателей и, в конце концов, пришел к совершенно определенным наборам: если это хамбакерный инструмент (как, например, Les Paul), то это - DiMarzio Super Distortion в бриджевой позиции и DiMarzio PAF - в нековой. Если же речь идет о сингловой, стратообразной гитаре, то я использую серию DiMarzio Fast Track, как правило Fast Track 2 в качестве бриджевого датчика и Fast Track 1 - как нековый. Хотя иногда использую другие модели, например Pro Track. Правда, бывают и исключения: иногда для того, чтобы, скажем, записать какую-то конкретную партию или композицию, приходится ставить совсем другие звукосниматели, не те, на которых играю обычно. Просто чувствуешь, что вот здесь звук должен быть несколько другим, ну и начинаешь экспериментировать, искать более подходящий саунд.

Насчет звукоусиления: у тебя все время один и тот же set-up эффектов, усилителей, колонок - на концерте и при работе в студии, или этот набор варьируется в зависимости от обстоятельств?

Да, как правило, один и тот же. Это двухканальный ламповый комбоусилитель Marshall Dual Reverb, который я обычно "раскачиваю" с помощью Ibanez Tube Screamer . Правда, последнее время использую Overdrive Three Mode, которую мне сделал Энвер Чохаев. Мне этот прибор так понравился, что и новую пластинку, которую мы сейчас готовим к выпуску, записал исключительно с его помощью, и на концертах его использую уже несколько месяцев. Ничего подобного по звуку мне раньше слышать не приходилось. Кстати, Энвер еще сделал активную электронику для той гитары Russtone, о которой мы уже говорили. Перед "раскачкой" стоит "квакушка" Jim Dunlop Cry Baby, а после - Behringer Guitar Denoizer - рэковый прибор. Почему именно такой прибор? Просто потому, что маленькие педальки-шумоподавители типа BOSS сильно влияют на звук не в лучшую сторону, даже в отключенном (bypass) состоянии. Behringer же работает с саундом гораздо интеллигентней и позволяет гораздо более тонко работать с параметрами шумоподавления, практически не привнося изменений в звучание. Кстати, Cry Baby мне тоже нравится тем, что в состоянии, когда сам эффект отключен, сигнал проходит напрямую, никакого влияния "квакушка" на него не оказывает. Еще одна немаловажная деталь - это хороший, дорогой кабель, поскольку от качества коммутации звучание зависит очень сильно. И, наконец, между предварительным усилителем в комбе и его усилителем мощности подключен процессор TC Electronic G-Force. Хотя в нем есть и разнообразные перегрузки - я их не использую (ну, разве что только когда занимаюсь дома, "на кухне"), все-таки предпочитая "честное" ламповое искажение сигнала. Так что основное применение G-Force для меня - в качестве процессора модуляционных эффектов и, надо сказать, в этой ипостаси данный прибор - один из лучших в мире на данный момент.

Спасибо, Владимир, за увлекательную беседу. Поздравляю ваш коллектив и тебя лично с 15-летним юбилеем группы и желаю творческих успехов в нелегкой музыкальной жизни.

Спасибо!